Análisis del color
Nombre: Elena Pastás
Análisis del color
La Gérnica de Pablo
Picasso
Técnica: Óleo sobre
lienzo
Dimensiones: 349,3 x
776,6
Reflejo fiel de una época y de
unas luctuosas y dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació
para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París,
de 1937. El motivo que impulsó a Pablo Picasso a realizar la escena
representada en esta gran pintura fue la noticia de los bombardeos efectuados
por la aviación alemana sobre la villa vasca que da nombre a la obra, conocidos
por el artista a través de las dramáticas fotografías publicadas, entre otros
diarios, por el periódico francés L'Humanité. A pesar de ello, tanto los
bocetos como el cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino
que, por el contrario, constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el
terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el
testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la
premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad
cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación
de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena,
que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la
sociedad de nuestros días.
La obra tiene un formato rectangular en forma horizontal. La
obra tiene una armonía cromática de grises acromáticos se puede apreciar
personas y animales en diferentes posiciones. Según la psicología del color el
negro representa elegancia, misterio, magia, conservador y poder, también
podemos apreciar el color blanco que representa luz, optimismo, bondad,
aislamiento.El Beso de Klimt
Hombre bajando las escaleras de Duchamp
Noche estrellada de Van Gogh
Una tarde de domingo en la gran gallet
Las damiselas de Avignon
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.
La cena de Emaús Caravaggio
La creación de Miguel Ángel
Museo: Capilla Sixtina Estilo: Renacimiento Italiano
Material: Fresco
El beso es una obra del
pintor austríaco Gustav Klimt y
probablemente su obra más conocida. Es un óleo con laminillas de oro y estaño
sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.
Esta obra, que sigue los
cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado.
Normalmente las obras de Klimt
creaban escándalos y eran criticadas como "pornografía" y prueba de
ser "excesivamente pervertidas". Las obras pusieron a Klimt como un
"enfant terrible" por sus opiniones
anti-autoritarias y anti-populistas sobre el arte. Él escribió: "Si no se
puede complacer a todo el mundo con sus obras y su arte, por favor complace a
unos pocos". Por el contrario, El beso fue recibida con entusiasmo, y de
inmediato encontró un comprador
El formato de la obra
es cuadrado. Esta obra posee colores cálidos que representa cercanía,
excitación , pasión, está conformado por colores primarios, secundarios y
terciarios. En la psicología del color podemos apreciar el amarillo que
representa energía, alegría,
diversión,optimismo también es un estimulante a las respuestas emocionales de
las personas. Tenemos el negro que simboliza la elegancia; el color naranja que simboliza excitación; el color azul que
simboliza paz, quietud, anhelo; tenemos flores violetas que simbolizan vanidad,
fantasía, fe; un poco de color verde que simboliza a la naturaleza, fertilidad y esperanza.
El Urinario de
Duchamp
Periodo Dadaísmo.
La Fuente (1917) es
una obra de arte atribuida a Marcel
Duchamp. En ese año intentó exponer un urinario en
una muestra organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva
York, lo tituló La Fuente y lo firmó como «R. Mutt». Es una
pieza denominada readymade, el arte realizado mediante el uso de objetos ya
existentes que normalmente no se consideran artísticos. Con esta obra, Duchamp
inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo)
al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte
con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un
baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un museo- y la
declarara como tal. Además, la obra ha sido interpretada de infinidad de
maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.
Las bases de la muestra de
arte a la que Duchamp presentó la pieza establecía que todas las obras serían
aceptadas, pero la Fuente fue rechazada y retirada rápidamente. La pieza
original se ha perdido, aunque fue documentada por el fotógrafo y reconocido
galerista Alfred Stieglitz, lo que significó un
espaldarazo para la obra y su autor. A partir de la foto se pudieron réplicas
por encargo de Duchamp en la década de 1960, de las cuales 15 están ahora en
exhibición en una serie de diferentes museos. La obra es considerada como un
hito importante en el arte del siglo XX.
El formato de la obra es vertical. La pintura está compuesta
de grises acromático en el cual podemos observar el gris en una escala que se
va degradando y el urinario es de color blanco en el cual está representado
luz.
Está compuesto de colores fríos porque podemos observar
estatismo y también es algo frío.
Museo: Museo de Arte de Filadelfia Características: 147 x 89 cm.
Estilo: Surrealismo Material: Oleo sobre lienzo
Una de las obras que más
polémica suscitó en el Armory Show fue este cuadro de Marcel Duchamp, a medio
camino entre el cubismo y el futurismo. Y no solo por la técnica, sino sobre
todo por el tema. El desnudo era uno de los temas sagrados de la pintura, obras
reposadas en las que la figura aparecía generalmente recostada, mostrando
sus encantos al espectador, dejándole claro que su belleza ideal era
inalcanzable. Las figuras desnudas simplemente se exhibían, y no hacían cosas
vulgares, como bajar una escalera. Y además, para colmo de males, este supuesto
desnudo de Duchamp no enseñaba absolutamente nada de chicha. Ni siquiera
quedaba claro si era un desnudo masculino o femenino. Para pintar este cuadro,
Duchamp empleó los colores ocres, grises y negros del cubismo analítico. Pero
en vez de utilizar la descomposición de planos para pintar un objeto estático
desde varias perspectivas a la vez, lo que hizo fue repetir y superponer estos planos
para representar el movimiento de una figura en el tiempo (en este aspecto, se
aproxima al arte futurista: . Los pintores cubistas habían conseguido
plasmar las tres dimensiones del mundo real en una superficie bidimensional.
Duchamp y los futuristas fueron un paso más allá: lograron representar el
tiempo y el movimiento en una obra inmutable y, por naturaleza, estática.
Tiene un formato apaisado. La obra está compuesta de colores
cálidos, se puede observar luminosidad. Tenemos el color amarillo que simboliza
creatividad y es brillante. El blanco que simboliza luz y perfección. También
tenemos degradados de amarillo.
Género: Pintura
del paisaje Fecha de
creación: junio de 1889
Medios: Pintura al aceite
Esta el cielo nocturno lleno
de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia
luminosidad, y una luna creciente brillante. Aunque los rasgos son exagerados,
esto es una escena que podemos relatarnos, y también una que hace que la
mayoría de individuos se sientan cómodos. El cielo mantiene el movimiento en
los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a
punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia mientras que los
otros rasgos tienen efectos también.
Abajo de las colinas onduladas
del horizonte hay un pueblo pequeño. Hay una esencia tranquila circulando con
fluidez en las estructuras. Quizás los colores oscuros y fríos, y las ventanas
ardientes provoquen memorias de nuestra niñez, llenas de la curiosidad de lo
que existe en la noche y en el cielo con las estrellas. El punto central del
pueblo es la aguja de la iglesia reinando principalmente sobre los edificios
más pequeños. La aguja proyecta un sentido de estabilidad en el pueblo, y
también crea un sentido de tamaño y aislamiento.
A la izquierda de la pintura
hay una estructura enorme y oscura que desarrolla un sentido más grande de
tamaño y aislamiento. Esta estructura es magnífica en comparación a la escala
de otros objetos en la pintura. Las curvas de las líneas reflejan las del cielo
y crean la sensación de profundidad en la pintura. Esta estructura también
permite que la audiencia interpreta la pintura desde su propia perspectiva. De
una montaña a un arbusto frondoso, el análisis de esta formación es ancha y
llena de variedad.
Van Gogh pintó La noche
estrellada mientras permanecia en un manicomio de Saint-Rémy en 1889.
Durante los anos tempranos de
la vida de Van Gogh (1876-1880) quería dedicar su vida al evangelismo de los
pobres. Muchas personas creen que este intento religioso se refleja en las once
estrellas de la pintura. En Génesis 37:9. la declaración siguiente dice:
El formato de la pintura es apaisado. Una obra que posee
colores fríos y cálidos. Es una pintura
que la cual podemos apreciar el cielo, las montañas, un pequeño pueblo y el
viento que pasa suavemente en una noche muy tranquila. El color azul por lo
general simboliza paz, quietud como son el cielo y los espacios libres.
Georges Seurat - “Tarde de
domingo en la isla de la Grande Jatte” (1884-1886, óleo sobre lienzo, 207
x 308 cm, Art Institute of Chicago)
“Tarde de domingo en la isla
de la Grande Jatte” es el cuadro más ambicioso de Georges
Seurat y también la obra cumbre del puntillismo. El puntillismo
o divisionismo es una técnica pictórica basada en estudios científicos que se
habían hecho sobre el color. Los diferentes tonos de la obra se consiguen
aplicando sobre el lienzo pinceladas diminutas de colores puros, unas junto a
otras, de forma que al mirar el cuadro de lejos, estos colores se mezclen en la
retina del espectador (por ejemplo, para conseguir un color verde, bastaría con
pintar puntitos azules y amarillos muy juntos). Al ser una técnica lenta y
minuciosa, los artistas se las ven y se las desean para conseguir dar
movimiento a las figuras, que generalmente quedan como congeladas. Sin embargo,
en este caso concreto, ayuda a dar esa sensación de calma y reposo que
transmite la escena.
Era una zona de recreo de los
suburbios de París, llena de bares y cafés situados a orillas del río, que
Seurat ha preferido no pintar. Lo que sí ha captado a la perfección es la
mezcolanza de gente que normalmente abarrotaba el lugar.
Si no nos detuviésemos a
analizar las figuras, la escena nos parecería un remanso de paz, en un parque de
ensueño. Ese es precisamente el encanto de esta obra, en la que las cosas no
son lo que parecen.
El formato de la obra es horizontal apaisado, es una obra en
la que podemos observar a muchas personas
haciendo diferentes actividades
que están en la orilla de un lago, también hay animales, posee también
un bosque y el césped dónde están las personas es de color verde. en cuanto a
las cualidades de la cromática tenemos colores fríos y cálidos, para la
psicología del color podemos observar que representa alegría, simpatía,
esperanza, acogedor, quietud, esperanza.
Alfons mucha las
estaciones
Se puede observar como Mucha
captura los humores de cada estación, como también la utilización de elementos
y climas tonales y cromáticos que identifican a cada estación del año. En todas
las versiones se observan las características típicas de las obras de mucha, el
personaje sensual, enmarcadas en columnas y arcos bizantinos, la ropa sedosa y
los elementos de la naturaleza que equilibran el
diseño.
Las adaptaciones de 1900
presentan la particularidad de que sus personajes se presentan con el pelo
recogido a diferencia de la mayoría de las mujeres de Mucha que suelen tener
largos cabellos envolventes, como es el caso de Las 4 Estaciones de 1896 y de
1897. En estas últimas los personajes parecen más libres y menos rígidos que en
la versión de 1900, donde la postura es firme y la mirada se dirige al espectador
sin ensoñación como las anteriores.
El formato de la pintura es apaisado. Posee colores cálidos,
tenemos 4 mujeres en diferentes posiciones la primera tiene un vestido blanco ,
el cabello es rubio, está como si estuviera bailando o caminando y está en
medio de las flores. La segunda tiene un vestido color beige, su cabello es de
color café, lleva flores en el cabello, está sentada arrimada a una rama como que
estuviera cansada y quiere dormir. La tercera tiene un vestido con
degradaciones de colores, lleva flores azules en su cabeza, está descansando en
medio de las flores. La cuarta lleva un vestido color verde y su cabeza está
tapada por un velo del mismo color, está sentada en medio de unas ramas de
color blanco, parece que está sorprendida
por algo que está viendo. En la
psicología observamos alegría, pureza, esperanza, energía, diversión, pasión,
luz vanidad, fantasía, simpatía, armonía, calma, libertad, dulzura, amor,
estimulante sensual, luminosidad, son escasos en la naturaleza y muy
llamativos.
Las señoritas de Avignon, Las
señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la
calle de Avinyó,1 es
un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado
en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9
x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York.
Este cuadro, que marcó el
comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia
clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.
Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la
tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y
el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a
un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que
las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
La obra tiene un formato vertical en el que se puede
observar cinco mujeres desnudas en diferentes posiciones. La primera está de pie como si estuviera arrimada a la pared.
La segunda esta con una mano abajo y la otra sobre la cabeza. La tercera está
de pie con las dos manos en la cabeza. La cuarta está sentada con las piernas
abiertas. La quinta esta parada de una manera sensual. Esta pintura tiene
colores cálidos.
La imagen plasma un episodio
de los Evangelios. En ella vemos como dos discípulos de Cristo, uno de ellos
posiblemente San Pedro por la concha que lleva sobre su túnica (el de la
derecha) con la figura central de Jesús dominando la escena. Este relato evangélico
se ha pintado en diversas ocasiones a lo largo de la historia, y también
durante el periodo del arte Barroco. Por ejemplo basta con comparar este
lienzo con otra obra de un genio barroco, Rembrandt.
Según se cuenta en la Biblia,
estos discípulos iban camino del pueblo de Emaús, cuando se les unió un
desconocido. El pasaje se sitúa temporalmente tras la muerte de Cristo, sin embargo,
el milagro consistió en que cuando se sentaron a cenar, el desconocido bendijo
los alimentos y rápidamente los otros reconocieron en él a Cristo resucitado.
La escena, iluminada por
varios focos de luz, tiene un tratamiento lumínico muy teatral, como si las
zonas iluminadas crearan un ritmo a partir de las luces y sombras. Es decir, el
portentoso claroscuro de Caravaggio. Pero no solo el tratamiento de la luz
es teatral. También la pose de los personajes. Por ejemplo, el discípulo que
nos da la espalda, nos lo presenta tremendamente sorprendido al reconocer a
Jesús. Mientras que San Pedro abre igualmente sus brazos extasiado y preparado
a abrazar a su maestro. Esta postura de San Pedro también nos muestra una de
las constantes en la obra de Caravaggio, sus atrevidos escorzos, aquí con un brazo
que parece que se va a salir del lienzo.
Formato apaisado. Tenemos cálidos está conformado por 4
hombres que usan atuendos, en el centro hay una mesa con comida, también tiene
un mantel blanco, están en un cuarto que tiene un fondo gris en escala.
Psicología del color simboliza el rojo al amor, el blanco la paz, luz y
alegría.
Autor: Miguel Angel Fecha: 1510
La Creación de Adán ha marcado
la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta
imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo
entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del
ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La
Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo
dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador.
Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y
seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí
mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en
turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán
ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente pegado
a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza
propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza
terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que
es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la
creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel,
que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.
El formato de la pintura es horizontal. Posee colores
cálidos y fríos. Podemos observar un hombre joven que está desnudo como que
quisiera darle la mano al hombre mayor que está con una túnica en medio de los
querubines que lo están sosteniendo. Se puede apreciar dos dimensiones la
tierra y el cielo. El manto rojo representa
amor, valor. El azul representa neutralidad o seneridad. Los cabellos dorados
representan luz, alegría.
Bibliografía
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica
Lee todo en: La cena de Emaús de
Caravaggio | La guía de Historia del Arte http://arte.laguia2000.com/pintura/la-cena-de-emaus-de-caravaggio#ixzz4nExcvAqC
http://www.artehistoria.com/v2/obras/4410.htm
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